李亚

舞台上，当高家大院的朱门缓缓闭合，觉新的身影渐入暗处，觉慧向着光明坚定走去，剧场内响起了经久不息的掌声。这不仅是对一部舞剧演出的肯定，更是对文学经典成功改编的致敬。自2015年首演至今，四川省歌舞剧院的舞剧《家》，以舞蹈语言激活巴金文学经典，塑造出鲜活可感的舞台形象。此次以第一百场演出启幕全国巡演，这部作品依然如百年前的“激流”般，在舞台上奔腾向前、生命力不减。

一、经典复排的当代意义：从文学遗产到文化活力

经典从来不是陈列在文学史馆里的标本，而是始终扎根于时代语境、不断生长的文化活体。美国文艺批评家哈罗德·布鲁姆（Harold Bloom）在《西方正典》中写道，经典是每一次重读都能带来新发现的作品。它的价值不在过去，而在能持续回应当下，与每一代观众共鸣。

文化根脉的沉浸式传承。当下，纸质阅读逐渐碎片化，很多年轻观众对小说《家》的认知，大都停留在教科书里的内容梗概，对作品中撼动人心的精神力量缺乏切身感受。不同于文字阅读的私人化，剧场艺术是沉浸式的共情体验。而此次对十年前舞剧《家》复排提升，用当今的视角为经典打开了面向公众的新入口。当观众坐在剧场里，体会觉新在新旧之间的痛苦拉扯，感受觉慧冲破家门的决绝姿态，看见鸣凤投湖前的绝望挣扎，这种情绪的感染力是文字无法替代的。

在优秀传统文化创造性转化和创新性发展的当下，舞剧《家》的复排提升，是一次面向当代审美的舞台转译，用观众能看懂、能共情的舞台语言，触摸时代变迁的脉搏，感知当下美好生活的来路，这本身就是对文化根脉最生动、最鲜活的传承。

审美语境的创造性转化。今天的观众对舞台艺术审美倾向，更偏好紧凑的叙事节奏、更具沉浸感的舞台呈现、更复杂多元的人物塑造，这就要求经典复排不是原封不动的复刻，而是适配当代审美的创造性转化。

本次《家》的复排提升在保留原著核心精神的基础上，创作团队精炼了舞台叙事，让核心冲突更加突出；优化了服装、道具和舞台调度，让情感表达更加直接；升级了灯光、音乐，让审美冲击力更加饱满。这种调整是对经典的“提纯”，留下最核心的精神内核，让经典能够更好地适配当代审美，激活经典的生命力。

文旅融合的品牌化赋能。巴金作为从巴蜀大地走出去的文学巨匠，《家》本身就是四川文化一张沉甸甸的名片。在当下文旅深度融合的时代背景下，让“锦绣天府·安逸四川”文旅品牌叫得响、传得远，不仅需要秀美的自然风光吸引游客，更需要有深度、有温度的文化精品传递四川文化气质。

舞剧《家》此次复排提升和全国巡演，展示百年前成都的社会风貌，传递巴蜀文化中既厚重包容、又求新求变的精神气质，让全国观众通过文学经典认识四川、了解四川。从这个角度看，这不仅是一次移动的巴蜀文化展，更是用文艺赋能文旅融合的生动实践。

二、从文字到肢体：对文学经典的创造性转化

舞蹈作为以肢体为语言的艺术，先天就不擅长讲述复杂的故事情节，交代庞杂的人物关系。中国当代舞蹈理论家欧建平提出“改编要‘抓神忘形’”，意即不需要追求还原作品所有情节，只需要抓住其精神内核。舞剧《家》之所以能够成为文学经典改编的成功范例，就在于它抓住了原著核心灵魂，完成了从文学语言到肢体语言的创造性转化。

叙事视角重构，跨越时空的人性共鸣。不同于原著小说以进步青年觉慧作为叙事核心，舞剧《家》选择了性格更复杂、更具矛盾张力的觉新作为叙事中心，体现了对原著精神的深度理解。觉新是巴金笔下最具悲剧性和最复杂的人物形象，他身为高家的长孙，从小接受封建礼教的教育，是家族公认的接班人，他内心认同新思潮，同情弟弟们的反抗，却又因为身上背负的家族责任，只能委曲求全，不敢挣脱牢笼，始终在新旧之间拉扯，在理想与现实之间妥协，最后失去了爱情，失去了妻子，失去了所有他在乎的东西。同时，舞剧保留了觉慧的反抗线，形成“妥协”与“反抗”的鲜明对照，既简化了原著繁杂的人物关系，又保留了原著核心的冲突，让整个故事的节奏更加紧凑，冲突更加集中，突出反封建的革命性主题。

如果以后现代视角审视，觉新的犹豫、温良与悲剧，不是个性缺陷，而是在传统“宗法结构”与“集体无意识”双重压力下的必然结果。若跳出原著反封建的叙事框架，还可以提炼出了更具普遍性的人性命题：每个人都可能遇到觉新式的困境：被身份束缚，被责任裹挟，活在他人的凝视中，想要逃离却又无法决绝。这种“不彻底”的复杂性，更能引起当代观众的共情。

符号隐喻构建，用道具浓缩核心意涵。文字可以铺陈故事、描摹心理，舞蹈却只能靠肢体语言传递情感，这就要求舞剧必须构建一套自己的符号体系，用隐喻的方式传递文字的内涵。舞剧《家》中最典型的符号，就是贯穿全剧的太师椅。舞台上的木质太师椅，既是高家宅院客厅的具象化布置，又象征着封建家族的等级秩序，更象征着套在每一个人物身上的无形桎梏。椅子的聚散、移动、组合，不只是舞台场景的变换，还构成了人与人之间的物理阻隔和心理羁绊，更是封建等级权力结构的动态呈现。

第一幕中，觉新的独舞围绕着几把太师椅展开，他想要走出去，却始终被椅子挤压，被椅子围成的圆圈包围，对应了他被高家长孙的身份困住、无法挣脱的处境；当高老太爷高坐正中，其他人分别站在太师椅两边，整齐的队列、僵硬的姿态，构建出一种压抑沉闷的氛围，把封建家族的等级压迫感直接传递给观众；而最后瑞珏难产死去的时候，恰好倒在象征家族权威的太师椅上，完成了“封建礼教吞噬美好生命”的隐喻表达，这无声的死亡比任何控诉都更有力量。

另一处经典符号是鸣凤被逼嫁时的红色长棍，抓她的家丁黑衣人手执红色长棍，棍子上下、前后变换各种形态，交错编织成一张密不透风的网，把鸣凤困在中央，无法躲避，无法逃离。红棍成了封建暴力与规训的符号，鸣凤左冲右突，都撞不破这由封建势力织就的罗网，也寓意逃不开最终被命运吞噬的结局。

通过舞台上符号化隐喻，把“封建礼教”本身变成了一个无形的“角色”，它比任何反派都更残暴、更血腥、更具压迫感。让观众无时无刻都感受到，压迫觉新、杀死瑞珏、逼死鸣凤的，从来不是某一个具体的人，而是整个家族的牢笼、是整个旧的制度。

情感表达放大，以肢体外化人物内心。舞剧《家》的核心魅力，在于以身体叙事超越文字叙事的抽象性，将“家”的压抑与人性的挣扎转化为可感可知的舞蹈语言，让观众在肢体动作的张力中直接触摸到人物的灵魂。

序幕中，觉新的舞步沉重而迟疑，每一次转身都似被无形的枷锁拖拽，将“长兄如父”的责任与个人幸福的撕裂感，化为身体的挣扎与失衡。而觉慧的舞蹈则充满爆发力，跳跃舒展、手臂挥斥如破墙之风，从最初的迷茫到最终的毅然出走，清晰勾勒出其觉醒的精神轨迹。

同样，鸣凤的心理变化也通过肢体动作层层递进：一开始她抱着对觉慧的爱，舞步轻盈灵动，满含对爱情与未来的憧憬；当得知自己要被送做小妾，她的舞步开始慌乱、破碎，充满了挣扎，屈膝匍匐在地上，双脚来回快节奏拍击地面，把鸣凤心理的恐惧战栗具象外化；最后，希望彻底破灭，她的舞步带着决绝，一步步走向舞台深处的黑暗。正如巴金所说“她不相信命运，她要自己选择死”。

还有觉新与瑞珏的婚礼段落，舞台上是热闹欢快的群舞，唯独觉新一个人的独舞格格不入，他的动作僵硬、沉重，带着挥不去的悲凉，欢快的群舞衬托着觉新独舞的凄凉，一喜一悲的强烈对比，把觉新被迫接受包办婚姻、失去梅表姐的无奈凸显出来。新婚夜的双人舞，觉新和瑞珏的舞步始终若即若离，觉新始终保持着距离，那种疏离不是对瑞珏的反感，而是对命运安排的顺从，是对梅表姐的愧疚；而在若即若离的双人舞中间，插入了觉新想象中与梅表姐的双人舞，那段舞蹈温柔缠绵，和眼前与瑞珏的疏离形成鲜明对比，把觉新爱而不得、恨而不能，心底的愧疚、不甘、思念精准传递，三个人的悲剧命运因此一目了然。

同样在鸣凤与觉慧的双人舞，则以“托举—坠落”的反复调度，隐喻阶级壁垒下爱情的脆弱，当鸣凤最终被黑暗吞噬，她的身体被定格为震撼人心的意象，粉红色花朵从空中缓缓飘洒，那是刚刚盛放就被碾碎的青春，以浪漫意象对应年轻生命的陨灭，给观众留下长久难忘的观感。

三、出走的觉慧：从未熄灭的希望之光

作为巴金激流三部曲的开篇之作，巴金创作《家》的初心，正是鼓励青年冲破旧家庭桎梏，奔赴新生活：“我所要给读者的是：战斗的激情，对光明的渴望。”

尾声，一束明亮温暖的光铺洒在舞台后区，划破了整台演出积压许久的压抑。在这片光亮里，低沉雄浑的长江号子响起，纤夫们躬着脊背，拉动绷紧的缆绳向前迈进；而年轻的觉慧，回望这个即将土崩瓦解的高家大院，转身便沿着那片被光照亮的路，迎着希望的方向走去。

当幕布落下，高家大院的高墙在舞台上隐去，但觉新的挣扎、觉慧的反抗、鸣凤的决绝、瑞珏的悲苦、梅表姐的凄婉，早已烙印在观众心底。那股冲破桎梏、寻找光明的生命激流，始终在舞台上奔涌不息。这便是经典永不褪色的秘密，也是经典复排的真正意义:让经典的激流永远流动，让精神的光明永远照耀。